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El mundo del arte contemporáneo vive según sus propias y únicas leyes económicas, donde se reevalúan los conceptos tradicionales de valor y escasez. Aquí, no solo juegan un papel clave los méritos artísticos de las obras, sino también factores como el branding, la escasez y la influencia de los llamados «guardianes» del mercado del arte.
El mundo del arte contemporáneo vive según sus propias y únicas leyes económicas, donde se reevalúan los conceptos tradicionales de valor y escasez. Aquí, no solo juegan un papel clave los méritos artísticos de las obras, sino también factores como el branding, la escasez y la influencia de los llamados «guardianes» del mercado del arte.
El libro de Don Thompson, «El tiburón de 12 millones de dólares», explora este fenómeno. En él se analiza la paradoja por la cual los precios de las obras de arte se disparan, a menudo siendo incomprensibles incluso para los coleccionistas experimentados. Los actores influyentes son la fuerza motriz de este proceso.
Son ellos quienes pueden convertir obras aparentemente ordinarias en tesoros multimillonarios. Poco a poco, el arte se transforma de una forma de expresión cultural en un instrumento de inversión de pleno derecho, lo que plantea numerosas preguntas sobre su verdadero valor.
| Categoría | Ejemplos |
| Artistas | Andy Warhol, Damien Hirst |
| Coleccionistas | Charles Saatchi |
Para muchos, el arte contemporáneo sigue siendo un enigma, provocando perplejidad o incluso desdén. Sin embargo, su valor no se determina únicamente por su mérito artístico. El branding juega un papel inmenso en la fijación de precios, convirtiéndose en una fuerza transformadora en el mercado del arte.
El prestigio de galerías famosas como Gagosian, o casas de subastas como Sotheby's, confiere a las obras de arte un aura de legitimidad y alto valor. Este mecanismo es similar a cómo las marcas de moda convierten la ropa común en símbolos de estatus. No solo las instituciones se convierten en marcas, sino también los propios participantes del mercado.
Sus nombres por sí solos atraen atención y dinero. Por ejemplo, las pinturas minimalistas con fechas de On Kawara alcanzan precios elevados precisamente gracias a la marca del artista. En última instancia, para los coleccionistas ultrarricos, comprar arte no es solo una inversión monetaria, sino una afirmación de su peso cultural y estatus social.
En el mundo del arte, la escasez y la rareza crean un valor inmenso, de manera similar a como ocurre con los metales preciosos como el oro y los diamantes. Con el tiempo, las obras de arte clásico se vuelven cada vez más raras a medida que se asientan en museos y colecciones privadas, lo que aumenta constantemente su precio.
Un ejemplo revelador es una obra de Paul Gauguin, cuyo valor se disparó de 969,000 libras esterlinas en 1998 a 4.9 millones de dólares en menos de diez años. Dado que el número de obras maestras históricas en el mercado es limitado, el arte contemporáneo pasa a ser el centro de atención, comenzando a ocupar el nicho de las inversiones de prestigio.
Las obras de artistas como Andy Warhol y Jackson Pollock baten récords de ventas. El cuadro de Pollock «Número 5, 1948» se vendió por la asombrosa cifra de 140 millones de dólares. Sin embargo, el mercado del arte sigue siendo un sector especializado, cuyas ventas anuales son significativamente inferiores a las de gigantes como Apple.
En el competitivo mundo del arte contemporáneo, los marchantes actúan como los «guardianes» más importantes, moldeando las carreras de los artistas y determinando su éxito. Son ellos quienes deciden qué creadores alcanzarán la fama, y sus decisiones pueden influir radicalmente en la vida de un artista.
Los marchantes de élite como Gagosian y White Cube se encuentran en la cima de esta jerarquía. Por debajo se sitúan los marchantes más convencionales, que ofrecen a los talentos emergentes sus primeras grandes oportunidades, aunque esto conlleva riesgos financieros. Las estadísticas son duras: cuatro de cada cinco galerías cierran en sus primeros cinco años de funcionamiento.
Las galerías suelen trabajar en consignación, repartiendo las ganancias de la venta con el artista en una proporción de 50/50. Los ingresos adicionales provienen del mercado secundario (reventa de obras) y de la gestión de derechos adicionales, como los de reproducción y exposición. Por ejemplo, la serie de pinturas «Helga» de Andrew Wyeth generó millones de dólares precisamente por la venta de derechos, superando con creces los ingresos de la venta de las propias pinturas.
Los museos a menudo ven las obras de arte como activos financieros, donde el valor monetario a veces eclipsa el significado cultural. Este conflicto se manifestó claramente en 1997, cuando el artista ruso Alexander Brener roció un signo de dólar verde sobre el cuadro «Suprematismo» de Kazimir Malévich en el museo Stedelijk.
Brener calificó su acto de performance, criticando la obsesión del mundo del arte con el dinero, que, en su opinión, socava la diversidad y la profundidad del arte. Este punto de vista resuena en muchos artistas contemporáneos. Hoy en día, el precio a menudo determina el valor artístico percibido de una obra. Como dijo una vez Andy Warhol, el arte y el dinero son inseparables.
Al mismo tiempo, una gran cantidad de valiosas obras de arte permanece oculta al público. Por ejemplo, en los almacenes del Reino Unido hay unas 120,000 pinturas. Esto subraya su papel como activos financieros y no solo como patrimonio público. Un ejemplo revelador es el del Louvre, que cerró un acuerdo con el Louvre de Abu Dabi por 575 millones de dólares por el derecho a usar el nombre y alquilar obras, una cifra que supera el presupuesto para la construcción del nuevo museo (115 millones de dólares).
La galerista Mary Boone una vez comparó la compra de obras de arte con billetes de lotería, aludiendo al elemento de azar. Mientras que algunos coleccionistas sienten un apego personal a sus adquisiciones, otros ven el arte exclusivamente como una inversión financiera, esperando que su valor aumente. Sin embargo, esta creencia a menudo es engañosa.
El mercado del arte es conocido por su volatilidad. En la década de 1980 hubo un boom de los impresionistas, con precios de obras de Gauguin y Renoir por las nubes, pero tras la recesión de 1990 el mercado se desplomó y tardó 15 años en recuperarse. Incluso instituciones prestigiosas como el Museo Whitney no siempre obtienen ganancias significativas. La venta del cuadro de Picasso «El muchacho de la pipa» le reportó al museo un modesto rendimiento anual del 7% sobre toda la colección, mientras que otras obras registraron pérdidas.
Existe el llamado índice Mei-Moses, que rastrea la rentabilidad de las obras de arte revendidas en subastas. Aunque muestra una dinámica positiva, este índice no tiene en cuenta factores importantes: lotes no vendidos, transacciones privadas y gastos asociados como impuestos y comisiones. En realidad, la inversión en arte a menudo genera rendimientos más bajos en comparación con el mercado de valores y conlleva mayores riesgos.
Crear una colección rentable de arte contemporáneo requiere una combinación de pensamiento estratégico y paciencia. Para tener éxito en este complejo mercado, se recomienda a los inversores seguir varias reglas.
