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Die Welt der zeitgenössischen Kunst funktioniert nach ihren eigenen, einzigartigen ökonomischen Gesetzen, in denen traditionelle Vorstellungen von Wert und Knappheit neu definiert werden. Hier spielen nicht nur die künstlerischen Qualitäten der Werke eine entscheidende Rolle, sondern auch Faktoren wie Branding, Seltenheit und der Einfluss sogenannter „Gatekeeper“ des Kunstmarktes.
Die Welt der zeitgenössischen Kunst funktioniert nach ihren eigenen, einzigartigen ökonomischen Gesetzen, in denen traditionelle Vorstellungen von Wert und Knappheit neu definiert werden. Hier spielen nicht nur die künstlerischen Qualitäten der Werke eine entscheidende Rolle, sondern auch Faktoren wie Branding, Seltenheit und der Einfluss sogenannter „Gatekeeper“ des Kunstmarktes.
Don Thompsons Buch „The $12 Million Stuffed Shark“ untersucht dieses Phänomen. Es analysiert das Paradoxon, bei dem die Preise für Kunstwerke in den Himmel schießen und oft selbst für erfahrene Sammler unverständlich bleiben. Die treibende Kraft hinter diesem Prozess sind einflussreiche Akteure.
Genau sie sind es, die auf den ersten Blick gewöhnliche Werke in millionenschwere Schätze verwandeln können. Allmählich wandelt sich die Kunst von einer Form des kulturellen Ausdrucks zu einem vollwertigen Anlageinstrument, was zahlreiche Fragen nach ihrem wahren Wert aufwirft.
| Kategorie | Beispiele |
| Künstler | Andy Warhol, Damien Hirst |
| Sammler | Charles Saatchi |
Für viele bleibt die zeitgenössische Kunst ein Rätsel, das Verwirrung oder sogar Geringschätzung hervorruft. Ihr Wert wird jedoch nicht nur durch den künstlerischen Gehalt bestimmt. Eine enorme Rolle bei der Preisbildung spielt das Branding, das zu einer transformierenden Kraft auf dem Kunstmarkt wird.
Das Prestige berühmter Galerien wie Gagosian oder Auktionshäuser wie Sotheby's verleiht Kunstwerken eine Aura der Legitimität und des hohen Wertes. Dieser Mechanismus ähnelt dem, wie Modemarken gewöhnliche Kleidung in Statussymbole verwandeln. Nicht nur Institutionen werden zur Marke, sondern auch die Marktteilnehmer selbst.
Ihre Namen allein ziehen Aufmerksamkeit und Geld an. Zum Beispiel erzielen die minimalistischen Datumsbilder von On Kawara hohe Preise gerade wegen der Marke des Künstlers. Letztendlich ist der Kauf von Kunst für superreiche Sammler nicht nur eine Geldanlage, sondern eine Bestätigung ihres kulturellen Gewichts und sozialen Status.
In der Kunstwelt schaffen Knappheit und Seltenheit einen enormen Wert, ähnlich wie bei Edelmetallen wie Gold und Diamanten. Im Laufe der Zeit werden Werke der klassischen Kunst immer seltener, da sie in Museen und Privatsammlungen landen, was ihren Preis stetig in die Höhe treibt.
Ein anschauliches Beispiel ist ein Werk von Paul Gauguin, dessen Wert in weniger als zehn Jahren von 969.000 Pfund Sterling im Jahr 1998 auf 4,9 Millionen Dollar anstieg. Da die Anzahl historischer Meisterwerke auf dem Markt begrenzt ist, rückt die zeitgenössische Kunst in den Mittelpunkt und beginnt, die Nische der prestigeträchtigen Investitionen zu besetzen.
Werke von Künstlern wie Andy Warhol und Jackson Pollock brechen Verkaufsrekorde. Pollocks Gemälde „No. 5, 1948“ wurde für atemberaubende 140 Millionen Dollar verkauft. Dennoch bleibt der Kunstmarkt ein spezialisierter Sektor, dessen Jahresumsätze deutlich hinter denen von Giganten wie Apple zurückbleiben.
In der wettbewerbsintensiven Welt der zeitgenössischen Kunst agieren Händler als die wichtigsten „Gatekeeper“, die die Karrieren von Künstlern formen und deren Erfolg bestimmen. Sie entscheiden, welcher der Kreativen bekannt wird, und ihre Entscheidungen können das Leben eines Künstlers radikal beeinflussen.
Elite-Händler wie Gagosian und White Cube stehen an der Spitze dieser Hierarchie. Darunter befinden sich Mainstream-Händler, die aufstrebenden Talenten die ersten großen Chancen bieten, obwohl dies mit finanziellen Risiken verbunden ist. Die Statistik ist hart: Vier von fünf Galerien schließen innerhalb der ersten fünf Jahre.
Galerien arbeiten in der Regel auf Kommissionsbasis und teilen den Verkaufsgewinn im Verhältnis 50/50 mit dem Künstler. Zusätzliche Einnahmen stammen aus dem Sekundärmarkt (Wiederverkauf von Werken) und der Verwaltung von Nebenrechten, wie Reproduktions- und Ausstellungsrechten. Zum Beispiel brachte Andrew Wyeths Gemäldeserie „Helga“ Millionen von Dollar allein durch den Verkauf der Rechte ein, was die Einnahmen aus dem Verkauf der Bilder selbst bei weitem überstieg.
Museen betrachten Kunstwerke oft als finanzielle Vermögenswerte, bei denen der Geldwert manchmal die kulturelle Bedeutung überschattet. Dieser Konflikt wurde 1997 deutlich, als der russische Künstler Alexander Brener im Stedelijk Museum ein grünes Dollarzeichen auf Kasimir Malewitschs Gemälde „Suprematismus“ sprühte.
Brener nannte seine Aktion eine Performance und kritisierte die Besessenheit der Kunstwelt vom Geld, die seiner Meinung nach die Vielfalt und Tiefe der Kunst untergräbt. Diese Ansicht findet bei vielen zeitgenössischen Künstlern Anklang. Heute bestimmt oft der Preis den wahrgenommenen künstlerischen Wert eines Werkes. Wie Andy Warhol einst sagte, sind Kunst und Geld untrennbar miteinander verbunden.
Dabei bleibt eine riesige Anzahl wertvoller Kunstwerke der Öffentlichkeit verborgen. Zum Beispiel befinden sich in den Depots Großbritanniens rund 120.000 Gemälde. Dies unterstreicht ihre Rolle als finanzielle Vermögenswerte und nicht nur als öffentliches Kulturgut. Ein bezeichnendes Beispiel ist der Louvre, der mit dem Louvre in Abu Dhabi einen Vertrag über 575 Millionen Dollar für die Namensnutzung und die Leihgabe von Werken abgeschlossen hat, was das Baubudget des neuen Museums selbst (115 Millionen Dollar) übersteigt.
Die Galeristin Mary Boone verglich den Kauf von Kunstwerken einmal mit Lottoscheinen und deutete damit auf das Element des Glücksspiels hin. Während einige Sammler eine persönliche Bindung zu ihren Erwerbungen haben, betrachten andere Kunst ausschließlich als finanzielle Investition und erwarten eine Wertsteigerung. Diese Überzeugung ist jedoch oft trügerisch.
Der Kunstmarkt ist für seine Volatilität bekannt. In den 1980er Jahren gab es einen Boom bei den Impressionisten, als die Preise für Werke von Gauguin und Renoir in die Höhe schossen, aber nach der Rezession von 1990 brach der Markt zusammen und es dauerte 15 Jahre, bis er sich erholte. Selbst renommierte Institutionen wie das Whitney Museum erzielen nicht immer nennenswerte Gewinne. Der Verkauf von Picassos „Junge mit Pfeife“ brachte dem Museum eine bescheidene jährliche Rendite von 7 % im Rahmen der gesamten Sammlung, während bei anderen Werken Verluste verzeichnet wurden.
Es gibt den sogenannten Mei-Moses-Index, der die Rendite von auf Auktionen wiederverkauften Kunstwerken verfolgt. Obwohl er eine positive Dynamik zeigt, berücksichtigt dieser Index wichtige Faktoren nicht: unverkauften Lose, private Verkäufe sowie Nebenkosten wie Steuern und Gebühren. In der Realität bringen Investitionen in Kunst oft eine geringere Rendite als der Aktienmarkt und sind mit höheren Risiken verbunden.
Der Aufbau einer profitablen Sammlung zeitgenössischer Kunst erfordert eine Kombination aus strategischem Denken und Geduld. Um auf diesem komplexen Markt erfolgreich zu sein, wird Investoren empfohlen, einige Regeln zu befolgen.
